Criticas
Crítica Cartelera: The Wolfman (El Hombre Lobo)
Feb 17th
Puntuación: Mala – Regular
El Hombre Lobo ha perdido su elegancia o magnificencia.
Nunca he sido partidario de las películas de terror pero entre este género, su Trinidad (Drácula, Frankenstein, El Hombre Lobo) siempre ha sido objeto de culto por parte del séptimo arte más que cualquier otro, aunque haya nacido primeramente en la literatura.
Casi 70 años después y desde que en los 90’s se iniciaran esta clase de remakes de los clásicos personajes del estudio Universal, tenemos una nueva adaptación del Original Hombre Lobo de 1941. The Wolfman ha sido adaptado a lo largo de los años con muchas versiones libres que han pasado la prueba del tiempo para, lamentablemente convertirse, en un vehículo más del entretenimiento sin fondo con una capa de “reflexión espiritual”.
La cinta durante casi toda su producción estuvo rodeada de frecuentes rumores acerca del mal manejo o los desacuerdos entre los ejecutivos, los productores o el director (que primeramente fue Mark Romanek para luego ser sustituido por Joe Johnston) y que se hace notar con mucha evidencia en el metraje final. Una pieza que intentaron coserla (como otro monstruo de la Universal, el de Frankenstein) y unir todas sus partes de la forma más coherente posible pero que el resultado final es un montaje con un ritmo muy desordenado y contado de manera alocada y sin sentido u hondura. Ni siquiera el maestro Walter Murch pudo salvar el barco de su hundimiento fatal y a pesar de notarse el enorme esfuerzo de este y los demás montajistas, el metraje que llega a las pantallas evidencia el total descontrol que estuvo durante el tiempo del rodaje.
Y ni que decir del casting donde Anthony Hopkins, Benicio del Toro, la hermosísima Emily Blunt o incluso Hugo Weaving se salvan de la quema, no tanto por sus interpretaciones que puedan considerarse malas, sino por la pésima creación y desarrollo de sus personajes a cargo del guión de Andrew Kevin Walker y David Self. Lo raro del asunto es que Kevin Keller es autor absoluto de aquella Obra Maestra del ya lejano 1995 titulada Se7en y que el señor Self tiene su firma en la creación de la maravilla del género Gangster titulada Road to Perdition. Así que existen dos opciones: a) Que han perdido talento a lo largo de los años o que b) hayan sido presionados por los estudios para crear una obra ajena a sus intereses y hayan hecho esto a favor del dinero. Me inclino más por la opción b.
Porque al final, esta historia es una mezcolanza entre el poder del mal ejerciendo sobre un hombre bueno, una producto comercial “clásico” del siglo XXI pero mal conjugado, mal unido. Utilizando la voz en off no para enfatizar o dar claves de su historia, sino para explicarnos algo que con 100 minutos de cinta no pudieron hacer.
Benicio del Toro, el actor principal y que protagoniza al Hombre Lobo, funge funciones también como productor. El mismo, junto con sus compañeros productores, fueron los responsables de ofrecerla la idea a la Universal de este remake. Con esto yo veo una sensación muy clara de Del Toro de inmortalizarse en el celuloide dentro del conciente popular de la gente. No importa que ya haya ganado un Oscar como Mejor actor de reparto en Traffic (donde también salió galardonado en Berlín por la misma película hace 10 años) o haber obtenido la Palma a Mejor Actor en Cannes por Che sino que, como los casos de Robert Downey Jr con Iron Man o Christian Bale con Batman, Del Toro deseaba quedarse grabado dentro de la pop culture y así ser inmortalizado por la gente, ya habiendo sido por el arte y usando el Hombre Lobo como vehículo para lograr este propósito.
Lamentablemente esto conllevó a un fracaso financiero (30 millones de dólares en su 1° fin de semana siendo 150 millones su presupuesto oficial, sin contar marketing) por el tratamiento tan comercial y deseando agradar los gustos del público actual, o mejor dicho, lo que ellos creen que es el gusto actual, y convertir a la figura mítica del Licántropo por excelencia en un monstruo sin profundidad en el que sus creadores estuvieron más preocupados por tener una transformación realmente llamativa y explícita y que sus peleas fueran espectaculares. Algo que sin el desarrollo del personaje, los momentos de climax se notan vacíos.
Lo que no tengo queja alguna (o casi) es su diseño de producción, muy bien cuidado por Rick Heinrichs así como el vestuario. Ni de los efectos visuales, lo más rescatable de la cinta (aunque con algunos defectos hacía el final) pero cuando eso es su mayor virtud, creo el film no se puede defender ni por si solo ni por nadie más.
Más que escupir pestilencias contra la cinta, envuelvo y resumo mi opinión de esta obra con una palabra: Decepción. Por los creadores y autores involucrados. Por los artistas y actores que estaban envueltos. Por el peso del personaje que ya había alcanzado a través de los años, por los excelentes trailers que nos mostraban que podían haber algo grandioso en esta obra. Pero todo quedóo en polvo porque a pesar de todos los talentos unidos en pos de un ícono popular, no pudieron formarse como equipo para sacar a la luz un película del mismo nivel de calidad que sus implicados. Tal como el caso de “Los Galácticos” del Real Madrid.
Veredicto: Intento de combinar terror, acción y cine comercial con una historia profunda con un personaje como El Hombre Lobo en medio. Ni una ni otra, aburrida y con una total ausencia de coherencia y ritmo en su mayor parte, ni siquiera da sustos dignos de su género.
P.S. Muy interesante artículo (en ingles) donde el director Joe Johnston explica como la indecición entre los productores y los ejecutivos terminaron por matar la película. Muy recomendable.
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Crítica: The Hurt Locker (Zona de Miedo/Tierra Hostil)
Feb 16th
El Cine bélico no es una de mis pasiones, la mayoría de las veces trato de evitarlo pero es agradable encontrarte sorpresas como lo es The Hurt Locker de la directora Kathryn Bigelow, protagonizada por Jeremy Renne, Anthony Mackie y Brian Geraghty. La película esta basada en el guión del escritor Mark Boal, quien engrosó las filas de la escuadrilla de bombas del EOD(Explosive Ordinance Disposal) en el ejército de Estados Unidos.
Aunque “The Hurt Locker” se podría calificar en el genero “bélico contemporáneo”, coexiste con el Docu-Drama(una tendencia que esta caracterizando al siglo XXI), con la finalidad de hacernos reflexionar, creando un viaje muy realista a la cotidianidad de un grupo de soldados especializados en desarmar explosivos en territorio iraquí. Pese a mostrar el día a día sin demasiado dinamismo ni desarrollo argumental, y que tampoco es una película de carácter documental, sino que se vale de algunos recursos convencionales para construir su argumento, otorgándole cierto heroísmo y personalidad a los protagonistas,
La acción, emociones, y pensamientos de los protagonistas son tan reales que todo espectador los siente y los vive como propios. “The Hurt Locker” nunca pretende disfrazar la realidad y nos 
muestra los efectos del primer conflicto bélico del siglo XXI sin adornos, movimientos de cámara o trucos llamativos, simplemente usa el poder de sus personajes para atraparte desde los primeros minutos.
El objetivo de la película es retratar la guerra como una adicción, una droga que se asienta en el imaginario de sus participantes y los convierte en mercenarios de su propio deseo de acción adrenalínica. Se dice que quien no ha sentido el efecto de la adrenalina en su cuerpo, no ha vivido. Dicha adicción de vivir al limite corre a cargo del sargento Sargento William James (Jeremy Renne) un personaje sin miedo, que se siente excitado al encontrarse en la delgada línea de la vida y la muerte, motivo por el cual es único en su trabajo pero dicha adicción también lo convierte en un ser inadaptado en un entono normal donde la adrenalina se encuentra muy lejos de él. La actuación de Jeremy Renne es muy convincente casi podría decir que perfecta, y su rostro descarado le ayuda a hacerla más creíble.
Otro punto que hay que destacarle a Kathryn Bigelow y que demuestra el esfuerzo por lograr autenticidad, es que las escenas de la película se grabaron en Jordan a escasos kilómetros de la frontera con Irak, que si no fuera por la bendita Wikipedia, me hubiera creído que era Irak.
Dentro de los datos curios que rodean a The Hurt Locker esta la intensa polarización de opiniones entre la crítica acreditada en la última Mostra de Venecia. Ya que mientras los italianos la destacaban como la mejor de todo el festival, los que la detestaron enarbolaron ese escabroso y resbaladizo adjetivo que suele surgir cuando faltan los argumentos de peso: “fascista”. Por lo que la película de Kathryn Bigelow ha dado mucho de que hablar y ha dejado mucho de ella en cada uno de los espectadores que la han visto, por lo que considero que The Hurt Locker debe ganar este proximo mes de marzo el Oscar como mejor película y a mejor direccion como minimo.
En conclusión, “The Hurt Locker” es una de las mejores que he visto en el 2010, altamente recomendable, donde no saldrán decepcionados, y que guarda un mensaje que el espectador logrará captar sin necesidad de mostrarlo de manera explicita.
Chris Hedges tenia razón, la guerra es una droga y para muchos es lo único que tiene sentido.
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Crítica: ‘Valentine’s Day’ (‘Historias de San Valentín’)
Feb 11th
Realizada por Warner Bros, presentada por New Line Cinema y producida por Wayne Rice/Karz Entertainment, ‘Valentine’s Day’ es un film dirigido por Gary Marshall, que en su momento nos trajo el éxito comercial de ‘Pretty woman’, pero que intento utilizar la misma formula del film casi una década después con ‘Runaway Bride’ y después ‘Frankie & Johnny’, siendo esto lo único rescatable de su carrera, ya que después de todo esto sus films no son mas que un cúmulo de productos televisivos o filmes de escasa o nula enjundia, siendo ‘Valentine Day’ mas de lo mismo.
Tan pegajoso y carente de proteína como un bombón cubierto de chocolate en un día de verano, ‘Valentine’s Day’ es como un infomercial producido por los Amigos de la Sociedad Promotora de San Valentín.
Variety
En ‘Valentine’s Day’ casi cada escena está llena de platicas de flores, regalos, tarjetas, restaurantes y otras maneras de gastar dinero en un solo día, todos entregados por una serie de atractivas estrellas o semi-estrellas que entran y salen de escena por la mano de Marshall. En mi opinión, NO había existido un film que adulara tanto a el día de San Valentin como que este, lo que me hace pensar que una vez que haya pasado este fin de semana de estreno dejará de ser un film atractivo para la audiencia.
Este film, que no trata de mas que de un grupo de enamorados encontrados, perdidos o llenos de venganza en un día diseñado para que te sientas mal si no tienes a nadie con quien pasarlo, y no llena los zapatos de la alta calidad que se pudiera haber dado con el desfile de bellezas que participan aquí, como Jessica Alba, Jessica Biel, Jennifer Garner, Anne Hathaway, Emma y Julia Roberts y Taylor Swift en el lado femenino, y Bradley Cooper, Eric Dane, Patrick Dempsey, Jamie Foxx, Topher Grace, Ashton Kutcher y Taylor Lautner entre los chicos.
Los sets parecen baratos, la iluminación, los colores son de lo peor y que ni se diga de los parches en la banda sonora, que pudo haber sido mejor, pero fuera de esto, lo peor fue el guion. No me cabe en la cabeza como a WB se le ocurrió hacer este film y hacer a Katherine Fugate, guionista del film, intentar encontrar la manera de mezclar a todos los personajes, dentro y fuera de la pantalla en una medida de equilibrio y coherencia para darnos algo divertido que poder disfrutar, siendo que la experiencia nos dice que en este tipo de films es casi imposible profundizar en las historias de tantos personajes
En realidad, si buscabas una comedia de amor, solo te puedo decir que la sala solo se lleno de risas gracias a Hathaway, al interpretar a una mujer joven que gana dinero extra al proporcionar “entretenimiento para adultos por teléfono” haciendo diferentes acentos, y es solamente esto lo que nos hizo reír en las pocas ocasiones en lo que ameritaba, aunque de verdad a este tipo de películas no se les puede exigir demasiado, ya de inicio sabemos lo que vamos a encontrar cuando entramos a verlas, una excusa comercial para atraer muchos espectadores en el cine, un panorama liviano que sólo busca divertir y hacer pasar un buen rato a quienes quieren una cita romántica, y a pesar de todo esto que decimos, muchos la disfrutarán y servirá para “pasar” su 14 de febrero.
En resumen el film trata de varias historia de amor donde se involucran una serie de personajes, siendo los principales Reed, el dueño de una florería (Ashton Kutcher) y su mejor amiga Julia (Jennifer Garner). Reed le propone matrimonio a su novia (Jessica Alba), pero se da cuenta de que está enamorado de Julia, quien a su vez tiene un novio divorsiado (Patrick Dempsey) que es doctor.
La florería de Reed sirve como el centro de gran parte de la acción del film, siendo que dentro de las compras de flores y pedidos de ordenes para entregar, podemos ve a un alumno precoz de quinto grado (Bryce Robinson) y al novio de Julia, que se suponía estaba fuera de la ciudad por un viaje de negocios, siendo esto lo que pone en un dilema a Reed, el cual no sabe si debe consultarlo con su mano derecha (George Lopez) . Esta escena es lo más cercana en la película a llegar a la tensión de un drama.
Un par de primeros besos y una fiesta en un restaurant Indio son las mejores escenas del film, pero no vale la pena el largo camino a través de peleas, los re-arreglos y las aproximaciones que les precede. Entre las historias también vemos a un comentarista deportivo local (Jamie Foxx) que es asignado por su productor (Kathy Bates) a reportar sobre el día de San Valentin; siendo que este preferiría estar persiguiendo a una historia sobre la estrella del fútbol americano (Eric Dane), cuya carrera será puesta en cuestión. La publicista del atleta (Jessica Biel) se prepara para la fiesta anual de su “Odio el día de San Valentín”, cuando su jefe (Queen Latifah) contrata a una nueva recepcionista (Anne Hathaway), que se enamora de un compañero de trabajo (Topher Grace) , sin contarle el secreto que está manteniendo sobre su trabajo clandestino como un operador telefónica de sexo.
Desde Julia Roberts interpretando a una capitana del ejército, quien al pedir permiso para volver a casa, conoce a un compañero de asiento “muy simpático” (Bradley Cooper), hasta la chica de secundaria (Emma Roberts), quien abiertamente calendarizo una sesión para perder su virginidad con su novio (Carter Jenkins), nada encaja como algo real si no como un artificio de película.
En lo personal, esperaba mas de este film, pero creo que como siempre lo han dicho, cuando hay muchas estrellas en un film, no hay que esperar mas. Y creo que debi ver la película de ‘Leap Year’ o ‘When in Rome’ (‘La fuente del amor’).
Les dejo los comentarios que dejaron THR y Observer:
“El guión de Katherine Fugate parece incompleto y artificial”
“Al igual que un montón de regalos para el Día de San Valentín, llamativa y fácil de olvidar.”
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Crítica Cartelera: Invictus
Feb 10th
Puntuación: Buena
Año que inicia, año que se estrena una película de Clint Eastwood en nuestro país. Y arriesgándose y adentrándose en historias menos habituales para él. Esto demuestra un carácter triunfador del oriundo de San Francisco, California para tomar nuevos retos pese a su edad cercana ya a lo 80 años (los cumple en mayo de este año). Aunque hay que decirle, después de todo lo que ha ganado y generado este legendario cineasta, creo que la Warner no le piensa dos veces para darle luz verde a todo lo que al bueno de Clint le venga en gana.
Como habitualmente acostumbra, Eastwood nos trae un relato con formas clásicas y sin presunciones extras en su forma de dirigir pero que el centro de la historia cambia minuciosamente. En lugar de abarcar la ficción en un lugar en específico (un barrio, un pueblo, una isla, etc.), Eastwood decide desarrollar este relato en un país, en este caso, Sudáfrica y tomando como referencia el fin del apartheid y el comienzo de una nueva era con Nelson Mandela.
Y aquí los puntos fuertes de la cinta recaen en los hombros de Morgan Freeman, que se lleva él sólo casi ¾ partes de la historia sobre sus hombros. El actor de The Dark Knight, Million Dollar Baby o The Shawshank Redemption nos entrega una interpretación creíble y muy contenida de uno de los personajes más elementales del siglo XXI. Yo al inicio desconfiaba de la capacidad de Freeman para poder encarnar a un personaje tan conocido pero al momento de salir en pantalla, este logra convencerme al personificar muy bien las cualidades de Mandela. Muy merecida su nominación al Oscar.
Del que si no estoy de acuerdo es de Matt Damon, que tiene una interpretación equilibrada y bien llevada, pero no para ser considerado entre los 5 mejores actores de reparto del año. Pienso yo que tal vez esta asignación también se debió a su excelente interpretación de El Desinformante, pero que como aquella categoría estaba mucho más reñida, decidieron añadirlo en la de Mejor actor secundario, como consolación.
Como siempre, el señor Eastwood exhibe virtuosismos para dirigir la cámara, siempre rodeado de gente competente como Tom Stern en la fotografía y Joel Cox en el montaje, apartados donde sobresale el film, además de la dirección y actuación.
El film se centra en el liderazgo del primer mandatario negro de Sudáfrica, siendo fuente de inspiración para una nación que “está sedienta de grandeza”. Un hombre que intenta trabajar lo mejor posible para darle a su nación lo necesario para salir del pozo en que se encontraban, donde Mandela representa el perdón y la lucha por hacer que tu nación sea un poquito mejor y usando el Rugby, el deporte nacional sudafricano por excelencia, para intentar iluminar a su país. Y justamente este deporte es el hilo narrativo del film. Que los Springboks, el equipo oficial de Sudáfrica como motor para demostar la unión entre blancos y negros.
Pero la cinta no es perfecta, por muy lejos, ya que Eastwood intenta darle un toque intimista y más personal a la cinta centrándose en Mandela como más que un hombre pero sin ser un semi-dios, pero que falla en el intento cuando la atmósfera de la película es de tintes más elocuentes. Con grandes planos generales pasando a primeros planos cerrados, el director quiere balancear la película sin nunca decidirse que contar con exactitud. La historia de Mandela como el hombre que es, con todas sus imperfecciones o el relato de una nación que desea unirse para olvidar su pasado. Ni una ni la otra lo termina con contundencia y se conforma con un desarrollo “feliz” o costumbrista donde los personajes olvidan sus diferencias y el sueño de Mandela se hace realidad.
La música de su hijo, Kyle Eastwood, enfatiza esa atmósfera interior que contrasta con el tono que tiene la cinta, algo que resulta contraproducente. Y ni que decir del guión, que se mantiene al margen de dar una imagen más profunda de Mandela y se limita a mostrarnos como el gran líder que es. Algo inobjetable y que es increíblemente inspirador, pero que resulta ineficiente para contar la historia de uno de los hombre más famosos del siglo pasado.
Al final, cinta de asimilación accesible para la gente, y que se sentirá inspirada por la imagen que Eastwood da Mandela. Buena y oportuna ocasión para hablar del país que será anfitrión este 2010, no esta vez del Campeonato Mundial de Rugby, sino del deporte más popular del mundo, el fútbol.
Veredicto: Obra menor del maestro Eastwood que no deja de mostrarnos su calidad, pero que se queda en el intento de mostrarnos más del hombre más allá del líder que fue para Sudáfrica. Excelente opción para inspirarse y aprender a ser un verdadero guía.
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Crítica: Up in the Air (Amor sin escalas), sencillamente exquisita
Jan 28th
Con apenas tres películas el director Jason Reitman ha crecido tanto como cineasta, empezó con ‘Thank you for smoking‘ con la cual empezó a llamar la atención, pero el mundo fijo su mirada en él, tras el éxito de ‘Juno’, donde nos demostró que estamos ante uno de los directores más interesantes del cine de Hollywood en la actualidad.
Ahora Jason Reitman nos presenta “Up in the Air” cuyo titulo en español y con el que se presenta en las salas de cine es “Amor sin escalas” un filme exquisito en su sencillez, capaz de hacer reír y conmover a partes iguales, con una historia solida, creíble, tierna y cuidada, cargada de esa magia indescriptible que justifica la afición por el séptimo arte. Trazando un acertado retrato de la América de la crisis económica, la de los crueles despidos y cierta miseria moral, criticando en su grado justo para no caer en referencias demasiado concretas, y aportando una nota de actualidad muy bien insertada en el relato.
“Up in the Air” es un relato sobre soledad e independencia, sobre amor y decepción, sobre la cruda y hermosa realidad de las relaciones personales y el miedo al compromiso, sobre la realización individual y las falsas expectativas, todo a través de los ojos de Ryan un empleado de una compañía que se dedica a hacer el trabajo sucio de las empresas, quienes contratan a personal externo para despedir a sus empleados. Ryan es el encargado de guiar a esas almas en pena, no a un precipicio de depresión, sino a un nuevo comienzo esperanzador en cada una de las vidas de los individuos que despide.
George Clooney se luce en su papel, logrando que sea accesible al público, pero es hasta que la bellísima Vera Farmiga aparece en el personaje de “Alex” cuando se vuelve digerible para el espectador; la interacción entre Ryan y Alex es realmente exquisita cada vez que aparecen en escena. Alex se define a si misma como un Ryan pero con Vag..a que desea tener un respiro de su vida normal. Hay que mencionar que Farmiga se luce totalmente en el papel de mujer despreocupada.
Por otra parte, tenemos a Anna Kendrick a quien hemos visto recientemente en las películas de Crepúsculo y de quien no esperaba una buena actuación, pero para mi fortuna me equivoque, ya que Anna Kendrick nos regala un papel sorprendente, a base de generosidad y brillantez. Interpreta a “Natalie” una joven compañera del protagonista, con un impetuoso deseo de sobresalir en su trabajo, con ideas novedosas para hacerse notar; y a quien Ryan tendrá que aleccionar, por lo que compartirán horas de vuelo y desempeños profesionales con los que ambos irán aprendiendo uno del otro.
Muchas veces sabes que despidieron a alguien, pero no dimensionas lo impactante e incomodo que sería la situación para el que despide como para el despedido, y gracias al trabajo de Jason Reitman nos damos cuenta de una forma sutil todos los sentimientos que se pueden presentar en una situación tan difícil, observándolo a través de la lente de una cámara.
En conclusión les podría decir que “Up in the Air” es lo mejor de la cartelera, si pueden vaya a verla, es una película con la que pueden reírse, disfrutar y contar anécdotas después de verla y probablemente se sientan identificado en muchas ocasiones con las situaciones que se presentan.
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Crítica: Law abiding citizen (El Vengador)
Jan 14th
La película nos cuenta como Clyde Shelton (Gerard Butler) es asaltado en su casa. Matan a su mujer e hija y el sale herido. Sin embargo los asaltantes son atrapados por la policía y empieza el juicio. Es ahora cuando entra el abogado en acción, Nick Rice (Jamie Foxx), el cual, por seguir con su cuenta de casos sin perder, decide hacer un pacto para que uno de los dos vaya al corredor de la muerte y el otro quede en prisión durante tres años. Clyde se desespera. Sabe que no está bien. La ley no funciona y los asesinos quedan libres e impunes. Es entonces cuando pasan 10 años, y con mente minuciosa, Clyde no solo decide dar caza a los asesinos, sino que emprende un viaje de muerte con todos aquellos que estuvieron implicados en el caso. Sean abogados, jueces, etc..
El argumento de la película nos resulta por demás conocido pero Gerard Butler logra darle un peso al personaje haciendo que el espectador se sienta identificado con el, creando un conflicto moral debido a que la empatía con el personaje nos hace desear ver consumada su venganza pero nuestra conciencia nos dicta que no debe lograrla. Jamie Foxx también hace una gran interpretación de un abogado con una ambición muy marcada por el éxito sin saber que la búsqueda del mismo lo llevará por una pesadilla.
La película plantea una crítica al sistema judicial estadounidense, que puede replicarse a la mayoría de los sistemas judiciales en el mundo donde los abogados tienen que manejar una doble moral para lograr llevar los juicios a un termino favorable para ellos sin importar en las 
consecuencias que ello implique, ya que lo importante es ganar el juicio, sin que el resultado sea el mas favorable para el cliente. No quiero decir que todos los abogados sean así pero dentro de los tribunales se manejan muchos arreglos por afuera de la ley, que de alguna manera se permiten para lograr mantener en equilibrio los sistemas de justicia.
De la cosas que ayudan a la película es que el desarrollo de los acontecimientos se va dando a cuentagotas, manteniendo al espectador atento a cada detalle que sucede, mientras internamente cada uno hace las conjeturas de como es que el personaje principal logra cada uno de sus asesinatos y cada cosa va encajando perfectamente en la línea de tiempo la historia. Pero aquello que empieza bien en la película al final se destruye por un desenlace que no esta a la altura de la historia a mi parecer, puede que algunos les agrade, pero a mi en lo personal me pareció que eso hizo que la película no trascendiera de una manera significativa, convirtiéndola en un simple producto de entretenimiento. Así que si quieren pasar un buen rato la película es una buena opción para ello.
En “Law abiding citizen” el enemigo no es el ciudadano Clyde Shelton, ni el abogado Nick Rice, sino el Sistema Judicial, dejándonos la reflexión de que si la justicia hubiese sido bien administrada la primera vez, el terror que prosiguió se habría evitado.
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Crítica Cartelera: Zombieland (Tierra de Zombies)
Jan 11th
El sub-género de zombies (derivado a partir del de terror) tiene cierta empatía de mi parte, no tanta para hacer mi propia colección de películas de estos entes, pero si al menos para ir a ver cada una de las películas que salen a cartelera (bueno, hay excepciones, pero en general, la regla se cumple).
Zombieland combina este sub-género con la acción (al estilo 28 Days Later…) y la sátira (como Shaun of the Dead) pero además aderezado con excesivas escenas gore que más de uno disfrutarán verla en su cámara lenta pero que a un servidor, por lo mismo repetitivo de la técnica, lo aprecié en muchos momentos innecesarios llegando al aburrimiento.
Y en si eso es Tierra de Zombies, un coctel de aciertos como de errores de principiantes. Esta no es la primera obra de su director Ruben Fleischer ni de su par de guionistas Rhett Reese & Paul Wernick. Pero si es su primera película (al menos comercial o de exhibición masiva) y por lo tanto, noté ciertos rasgos característicos de las óperas primas.
Entre lo interesante, la historia está contada como si un videojuego se tratara (me recordó mucho al sistema de puntos de Burnout 3 Takedown) resultando obvio la misión del protagonista de resolver su misión. Y varios diálogos cargados del más profundo y sarcástico humor negro hacen algunas secuencias muy hilarantes.
Escenas sobrantes con muchas faltas de ritmo, los guionistas tratan de darle características a sus personajes para hacerlos únicos, pero que en la mayor parte de la trama resulta redundante. La cinta está contada en una voz en off, que en este caso, ayudó a los escritores a trasmitir el discurso que tenían en mente más con la palabra en vez de las imágenes, otra deficiencia que el director no supo corregir.
Pero al menos lo que nos querían transmitir me convenció. Utiliza a los zombies como una analogía de personas que deambulan por el mundo simplemente nada más para sobrevivir. Y resaltando un aspecto o idea que tengo cierta complacencia: la familia.
No te burles, podrías tener una hija así.
Así es, el discurso pro-familiar me gusta. Realmente odio aquellas cintas melodramáticas estilo Hallmark (o en el peor de los casos como ‘Provida’) que el tipo de familia funcional (padres-hijos-todos heterosexuales) es el único correcto y válido, pero esta cinta arma ese rompecabezas de una forma obvia pero sutil y muy creíble: los sobrevivientes son ‘La Familia’ pero para alcanzarla tenemos que superar nuestros miedos e incluso romper cierta reglas. Y al final si, todos necesitamos una, y las personas que te aman son aquellas que consideras tus familiares (no necesariamente de sangre). Todas las escenas y diálogos sobrantes que hicieron de este film lento y con un ritmo aburrido, se compensan al final con una excelente (y a la vez esperada) vuelta de tuerca. Y para mí, por este desenlace, la película vale la pena. Porque los guionistas supieron jugar con los elementos que manejaban para concluir en un clímax verosímil y entretenido.
Por esa misma razón, a los realizadores de Tierra de Zombies les perdono su “novatez” y hacerla recomendable. Pero espero mejoren mucho para su secuela.
P.S. La secuencia de Bill Murray es increíble, pero su conclusión es demasiado obvia y por lo tanto estúpida e innecesaria (además de los larguísimos halagos que no vienen al caso además de simplemente adular al señor Murray). Pero por el simple hecho de hacer un Cameo como él mismo y como zombie, hace a Bill Murray un auténtico crack.
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Crítica: 500 dias con ella (500 days of summer)
Dec 1st
La película del novato director Marc Webb deja bien en claro que las historias de amor perfectas no existen, brindándonos esa realidad que muchas veces hace falta en las películas de amor, ya que no todo en las relaciones es color de rosa y no hay una ley de amor reciproco, y donde hay que aceptar que cuando solo hay amor de una parte la relación se debe terminar.
El argumento de la película es simple, la historia comienza cuando Tom Hansen (Joseph Gordon-Levitt) conoce a Summer Finn (Zooey Deschanel) y cae perdidamente enamorado de ella al grado de pensar que ella es la chica con la que va a pasar el resto de sus días, pero para desgracia de Tom, nuestra querida Summer no cree en el verdadero amor, solo en el hecho de compartir con otro ser humano su vida mientras no le aburra o no se tenga que mudar de la ciudad.
Lo más importante de la película es ver como Tom distorsiona lo que para él es el amor verdadero hasta llevarlo al punto de una obsesión que simplemente no va a lograr ser más que eso. Esto debido a su egoísmo ya que él mismo se veía como el dueño absoluto de la verdad sobre el amor, con la posibilidad de cambiar las ideas que Summer, sin tomar en cuenta las advertencias que ella misma le hizo acerca de que no buscaba algún compromiso.
Dentro de esta “comedia romántica” el humor es sutil sin querer ser el centro de atención y los momentos en donde se presenta son bien calculados regalándonos la dosis exacta en el momento indicado para realzar los pensamientos o acciones cotidianas que de alguna manera han sucedido o pasado por nuestra mente en algún momento de la vida, creando un vinculo entre el espectador y el protagonista enamorado. Dicho humor no demerita el drama por el que pasan los protagonistas. Debo mencionar que la parte del musical me pareció genial, creo que no hay mejor manera de explicar la alegría que causa haber conseguido algo tan preciado para nosotros como el musical que nos presenta la película. Las actuaciones me parecen a la altura de la historia, ya que los actores logran darle peso y realismo a la historia aún cuando parezca artificial por los elementos mágicos involucrados.
Pienso que la magia de la película es que no ha sido contada en forma lineal, ya que si ese hubiera sido el caso, la historia no hubiera brindado tanto dinamismo a la trama, dando como resultado un producto simplista como lo fue “A el no le gustas tanto”(He’s Just Not That Into).
Para concluir, en el comienzo el narrador nos dice lo siguiente: “esta no es una historia de amor”, lo cual me parece incorrecto ya que a mi punto de vista la historia fue de amor solo que la relación no resulto. Así que aquellos amantes de las historias rosas donde el galán se queda con la damisela o viceversa, deben estar advertidos que eso no sucederá, pero que obtendrán una dosis de realismo y de lo que verdaderamente no es el amor de una manera muy cruda.
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Kat Dennings se une al reparto de ‘Thor’…¿Como la encantadora?
Nov 24th
Este fin de semana, Natalie Portman reveló a MTV que la actriz Kat Dennings (‘Nick and Norah’s Infinite Playlist’) había estado en un cast con el director Kenneth Branagh para el film de ‘Thor’, Portman no reveló para que papel sería.
Analizando los personajes que podrían quedar sin dueña para la historia de ‘Thor’, casi en todos los sitios de Internet especializados encontramos el nombre del personaje de La Encantadora, ella posee la divinidad propia de todo asgardiano. Posee una vida extremadamente larga, aunque no es inmortal como los Olímpicos. Es inmune a toda enfermedad y resistente a las heridas, ya que la carne asgardiana es 3 veces más densa que la humana. Sus poderes mágicos derivan de 2 fuentes principales: su innata capacidad para manipular la energía mágica del ambiente, y sus conocimientos adquiridos sobre hechizos y encantamientos. Aunque no es tan poderosa como Karnilla, se sitúa entre los 20 mejores hechiceros de Asgard. El principal uso de su poder reside en el realce de su propia belleza para que dioses y mortales sientan deseo por ella. Ha encantado sus labios para que para, con un beso, convertir en esclavo a cualquiera durante una semana. Más besos lo convertirían en esclavo indefinidamente.
En este film hemos visto como la lista del reparto ha aumentado al pasar las semanas, y como grandes estrellas participaran en esta, Dennings se unirá al reparto que ya comprende de Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Jaimie Alexander, Colm Feore, Samuel L. Jackson, Stellan Skarsgard, Stuart Townsend, Ray Stevenson, Tadanobu Asano e Idris Elba.
‘Thor‘ de Marvel Studios’ será llevada a la pantalla grande por Paramount Pictures en Mayo del próximo año.
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Crítica: [REC]2
Oct 30th
A [REC]2 para nada le hace falta la primera ya que ella sólita se explica a si misma.
[REC]2 rompe con el esquema de ser una secuela más, por que, aunque parte de la misma premisa presenta un producto diferente al de su predecesora. La primer parte de la saga juega a mantener el suspenso contándote lo mínimo, y la otra juega a atracarte de los nervios, y revelarte todos los secretos. Con esto se podría decir que [REC]2 rompe por completo las ideas que los espectadores generaron al terminar de ver la primera entrega, ya que trata de huir de los clichés propios del cine zombie ofreciéndonos una historia fresca y las dosis justas de humor negro que no esperábamos ver al entrar en la sala.
![rec2sc002[1]](http://www.cinefilux.com/wp-content/uploads/2009/10/rec2sc0021.jpg "rec2sc002[1]")
La cámara de vídeo es otra vez la gran protagonista de la historia, aunque en esta ocasión no haya una sino varias y la manera en que interactúan entre si me pareció magistral, y quizás en un futuro veamos más películas bajo esta idea. Hay que mencionar también que quizás este hecho sea un punto débil de la película dado a que se pierde un poco el hilo al abordar un conjunto de subtramas que terminan confluyendo. El gran problema viene sobre todo en la parte protagonizada por la pandilla de adolescentes, donde la pareja de realizadores no consiguen mantener la tensión de un excelente comienzo. La culpa puede que resida en el poco interés y aprecio que despiertan los chicos.
Hay que destacar la cuidadísima puesta en escena (fotografía de Pablo Rosso) y un montaje espectacular hacen que el edificio, en el que detrás de cada puerta acecha un peligro, se convierta en un personaje más. La estética roza el puro estilo shooter, haciendo que por momentos el espectador se sienta recorriendo los pasillos ariete en mano, haciendo que las escenas donde aparecen los infectados sean muy tensas ya que los puedes ver en un primer plano. La película goza de escenas de mucha acción, de suspenso extremo, de humor negro y misticismo.
Algo curioso pasa en esta película, ya que en la primer entrega como espectador lograba sentir empatía total por Ángela Vidal (Manuela Velasco), mientras que en [REC]2 no tenía tan claro si quería salvar a los protagonistas o si iba a aplaudir cuando alguno de los más molestos sufran en pantalla. Situación que me agrado mucho por que eran emociones que no pasaron en la primera entrega y que le dan ese plus a esta secuela.
Pero no todo es miel hay que mencionar algunos aspectos que no me agradaron del todo de la película. Uno de ellos fue la aparición/desaparición de los infectados a conveniencia de los directores, esto mismo sucedía en [REC] pero no era tan notorio como aquí. También la manera en que detienen la trama para contarte la historia no embona del todo, ya que a veces se veían forzados y se perdía la continuidad. Otra cosa que yo les doy licencia pero otros compañeros no, es la credibilidad, ya que en esta segunda entrega cualquier vestigio de realidad es masacrada en pos del espectáculo.
En conclusión Rec 2 es una película que asume sin complejos su condición de película de género, donde lo importante es pasarlo bien rompiendo con los paradigmas de las secuelas, ya que si hubieran repetido exactamente la misma trama, pero con personajes diferentes sin aportar nada nuevo a la historia, seguramente mi critica hubiera sido muy diferente, y mucho más negativa. Asi que un aplauso para Jaume Balagueró y Paco Plaza por este excelente trabajo que tal vez no sea del gusto de la mayoría del mundo, pero que tendrá su nicho de seguidores, que serán fieles incluso en una tercer entrega.
Y de entre las dos entregas, la de culto, sigue siendo la primera.
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Crítica: Bastardos sin gloria (Inglorious Basterds)
Oct 13th
Excelente película, tan exquisita como un pedazo de carne a la parrilla
Muchos años han pasado desde el rumor que Quentin Tarantino tenía planeado realizar Inglorious Basterds, que se suponía sería el mejor trabajo del director, pero la vida llevo a Quentin por otros proyectos, como lo fueron Four Rooms (1995), Jackie Brown (1997)Kill Bill Vol.1 (2003), Kill Bill Vol.2 (2004), Sin City (Director invitado) (2005), Grind House: Death Proof (2007) que postergaron el proyecto. Quizás este tiempo hizo que el proyecto se fuera añejando en la mente de Tarantino como un buen vino.
Trantino nos presenta una trama que pretende tener algunos tintes de realismo, basada en la Segunda Guerra Mundial. Con un inicio sublime en un campo a las afueras de Francia y con los acordes de fondo de Ennio Morricone al estilo spaghetti western me recordaron el mismo intro de ‘The Good, the Bad, and the Ugly’. (La fotografia de la película es excelente)
El pasado siempre es una referencia en la cinematografía de Tarantino, pero ha logrado combinar este pasado con sonidos modernos y referencias setenteras de una manera magistral que nos hacen olvidar por momentos que estamos viendo algo que sucedió hace 50 años aproximadamente con uniformes nazis, cines antiguos y tabernas clásicas francesas.
La historia se presenta de manera lineal, situación que difiere con las películas que le han resultado mas exitosas pero que no minimiza el desarrollo de la misma. Los diálogos ocupan más espacio que la acción, pero a pesar de este exceso la película resulta entretenida. Además el filme hace continuas referencias cinematográficas. Creo que el objetivo de Tarantino de crear diálogos tan elaborados y de poner tanto énfasis en ellos, se debe a su afán de mostrar que muchas de las veces la violencia no es lo que vence o doblega al enemigo, que más bien el razonamiento expresado en su manifestación mas certera y poderosa como lo es el dialogo, es el que puede terminar con guerras sin desencadenar violencia extrema.
De los personajes, creo que el más importante es el coronel Landa donde Tarantino nos muestra a través de él que el lenguaje es una superficie que encubre, oculta y engaña. Caracterizado por Christoph Waltz, logra un trabajo magistral opacando incluso al mismísimo Brad Pitt. Y con lo anterior no quiero decir que la actuación de Brad Pitt fue mala, ya que también estuvo a la altura de su personaje, pero el desarrollo de la historia le dio a Christoph Waltz mas momentos para cautivarnos con su personaje logrando una conexión con el público elocuente y a la vez siniestra. Creo que por esta actuación Waltz será nominado a varios premios. Los demás personajes no fueron muy trabajados en la historia por lo cual las actuaciones fueron buenas debido a que no se les exigía mucho para su caracterización.
Solo hay que rescatar una actuación más y esa es la de Mélanie Laurent que interpreta a Shosanna Dreyfus quien perdio a su familia al inicio de la película a manos de soldados Nazis generando en ella un sentimiento de venganza que logra ver realizado en el desarrollo de la película, y plasmando dicho sentimiento en la audiencia haciendola complice de su plan siniestro.
Regresando al cuestionamiento de si esta es la mejor película de Tarantino me resta decir, que al menos desde mi punto de vista, está no es la mejor, por mucho Pulp Fiction es superior, pero Inglorious Basterds es una de sus mejores obras, ya que regresa al humor negro que lo caracterizo en Pulp Fiction pero agregándole ideas frescas y con un final que hace justicia a nuestros mas profundos deseos de venganza. Recomiendo esta película a todas las personas para que disfruten de un cine diferente al que normalmente estamos habituados.
A manera muy personal he de decir que lo que vamos a ver es como Quentín Tarantino proyecta su visión de la manera de resolver este suceso mundial de una manera bizarra, poco probable pero entretenida. Hay que mencionar que la película es dirigida por un director con una idea poco comercial de hacer películas, ya que sus proyectos reflejan su manera de ver el mundo de manera muy personal, sin importar que algunos no les guste su trabajo, ya que lo que él busca es simplemente expresar a través del cine sus mas profundos pensamientos.
Como dato curioso, fue la película “Quel Maledetto Treno Blindato” traducida al ingles como The Inglorious Bastards (con A), que dirigió Enzo G. Castellari en 1978, la que impactó tanto a Quentin Tarantino con una historia de criminales de guerra reconvertidos en héroes; que éste decidió inspirarse en ella y homenajearla con su película “Inglorious Basterds” sin llegar a hacer un remake.
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Crítica: Surrogates (Identidad Sustituta)
Oct 12th
Thriller Sci-fi que pone al extremo y con dedo acusador nuestra manía o adicción por Second Life y las Redes Sociales entre otras. Lamentablemente se queda en el intento.
Tras conocerse en un chat, David Pollard y Amy Taylor se enamoraron y contrajeron matrimonio. Al ser aficionados a Second Life -mundo virtual donde puedes interactuar con otras personas a traves de avatars-, decidierón que también sería buena idea tener una boda cibernética. Todo iba bien hasta que Amy descubrió el avatar de su marido con una prostituta virtual, por lo que utilizando dinero del videojuego, contrató a un detective online que confirmó el romance, provocando el divorcio en el mundo real y en el electrónico. Actualmente Amy sale con otro hombre, al cual conoció en el juego de rol World of Warcraft.
Extracto del artículo de Luis Miguel Cruz de Cine Premiere #181 Pag. 75
La idea de Identidad Sustituta (traducción que le dieron al título de Surrogates, que literalmente significa Sustituto) es, en papel, muy interesante. Plantea el dilema de tener la oportunidad de ser o tener otra aersonalidad, sólo que ahora literalmente. ¿Como? Siendo sustituido por un robot que, siendo controlado desde nuestro hogar y mentalmente, relizará todas las actividades que deseemos.
Ellos serán nosotros y nosotros seremos ellos.
Aquí se pueden reflexionar bastantes cosas, como, mientras más dinero tengas o poseas, puedes conseguir un mejor sustituto y ser la persona que desees. O por ejemplo, cambiar por completo tu personalidad (o tal vez simplemente reflejar la verdadera, la que está en nuestro interior, pero que con nuestro cuerpo carnal no podemos hacer) hasta llegar al punto de cambiar nuestro sexo o género. Algo que vemos muy seguido en juegos virtuales como Second Life o World of Warcraft.
Desconocía el origen de esta obra, que está adaptada de un comic del mismo nombre, creado por Robert Venditti y Brett Weldele. No he leido el comic, espero hacerlo algún dia, pero referente a la adaptación cinematográfica, esta deja mucho que desear.
Por un lado, la crítica social hacía el uso desmedido de la tecnolgía está muy
latente, pero revestido de situaciones melodrámaticas que no interesan o no hay empatía hacia los personajes.
Por un lado agradezco de las películas que duran menos de dos horas y que en ese tiempo puedan explicar una intereseante historia. Pero en esta cinta sucede justamente lo contrario. Su duración de 88 minutos (no entiendo porque la americana dura 104) hace que los sucesos del filmen pasen demasiado rápido y de una manera lineal sólamente para entretenernos y diluir más el discurso de la historia.
El desarrollo de los protagonistas es casi nulo, ha excepción de Bruce Willis y Rosamund Pike, que es donde el creador quiso darnos esa empatía para identificarnos con ellos y por lo tanto con la historia, pero que no resulta porque lo hace tan plano como inversimil. Llega un punto en que uno de los protagonistas muere (en realidad varios, pero uno en especial) y en vez de que ese hecho resulte en un acto de dolor por la pérdida de esa persona, ocurre simplemente la indiferencia.
Al final, esta cinta acaba sólamente como un thiller en que se tiene que resolver un misterio y salvar a la humanidad. Algo tan simple, incluso para el buen señor Willis, que aqui funge como el policiía que intenta salvar a esa humanidad, incluyendo de sus personalidades robóticas.
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Crítica: RESCATE DEL METRO 1 2 3 (The Taking of Pelham 1 2 3)
Oct 6th
RESCATE DEL METRO 1 2 3 (The Taking of Pelham 1 2 3) me pareció un episodio de la serie “Ley y Orden” solo que más entretenido, con un mejor sonido y con un guión interesante, con esto no quiero decir que sea un excelente trabajo, sino que me resultó un trabajo medianamente bueno, por el hecho, de dejar a un lado los balazos sin sentido y tratar de ofrecer una historia más inteligente. Además de lograr transmitir al espectador las emociones de los protagonistas conforme van entablando un lazo forzado por las circunstancias en las que se encuentran.
En esta ocasión Tony Scott recupera la historia de una película que lleva el mismo nombre estrenada hace 25 años donde Walter (Denzel Washington, vuelve a ser el hombre inocente y trabajador que se ve envuelto sin comerlo ni beberlo en una situación extraordinaria), responsable de circulación del Metro de Nueva York, cuya jornada laboral se ve perturbada por el secuestro de un vagón del metro. Un tal Ryder (John Travolta), encabeza la banda armada formada por otras tres personas, que amenazan con ejecutar a los pasajeros del tren si no se le paga un importante rescate en el plazo de una hora. De esta manera se establece una lucha de astucias entre Ryder y la policía que sólo el dominio por parte de Walter del metro neoyorquino y la especial relación que se establece entre delincuente e interlocutor pueden solventar.
Las actuaciones de Denzel Washington y de John Travolta son buenas, de este último me agrada mas verlo como el villano en la películas, siento que le va más.
Como toda película de acción trata de no dejarnos pestañear ni un momento, cosa que logra por momentos, pero a su vez no intenta agobiarnos con una exploración de personajes exhaustiva. Es más, varias de las circunstancias que suceden tanto fuera como dentro de la situación son por demás inverosímiles y faltas de congruencia, como el hecho de la laptop que transmite todo en tiempo real y la novia estupida que quiere que su novio le diga que la ama cuando esta a punto de morir. Estas situaciones son justificables si el director intentaba hacer una reflexion de como sociedad nos estamos acostumbrando a tener las noticias en tiempo real sin importar que dichas situaciones sean aprovechadas por cadenas televisivas para ganar dinero dejando a un lado los valores y explotando el amarillismo. De hecho varias de estas situaciones son confrontadas por los mismos personajes dentro de la misma película, logrando comentarios sarcásticos y llenos de ironía hacia los valores preestablecidos y la hipocresía de la sociedad de Nueva York.
En conclusión les recomiendo esta película para pasar el rato, por que no se arrepentiran de verla, al salir del cine te deja una sensación de que pudo ser mejor, con un final menos trillado, pero que a pesar de eso fue una buena dosis de entretenimiento.
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Crítica – Cloudy with a chance of Meatballs (Lluvia de hamburguesas)
Sep 28th
Start version: Estamos ante una de las tres mejores películas animadas del año. Así de simple.
No concuerdo con un estimado compañero que esta cinta es mejor que UP (que también está sobrevalorada por cierto, pero ese es otro tema) pero si acepto que está mucho mejor de lo que esperaba. Al ver el trailer hacer un par de meses, casi tuve la centeza de que esta cinta iba a ser un churro sólo digerible para niños que sus papás se empeñan en no dejarlos pensar por si mismos (y mis sospechas aumentaron al saber que era Sony su productora), pero al verla resultó una satisfactoria contradicción.
La película está basada en un cuento infantil del mismo nombre (en ingles) de Judi Barret y dibujado por su esposo Ron Barret y (la película) trata acerca de un científico que inventá una máquina o dispositivo que hace que el agua se convierta en comida. Todo un logro para las comunidades africanas donde está más presente la hambruna pero que en ningún momento es comentado por el protagonista. Cero conciencia social, al menos en la película.
La cinta, que la vi doblada en español, técnicamente hablando está muy bien realizada (algo contrario a lo que vi en el corto), con un diseño de los personaje algo estilíticos pero al menos agradables para la vista y sobre todo identificables. La fluidez de la animación no tiene nada que envidiarle a las películas de Pixar y mucho menos a Dreamworks, sobre todo a su anterior cinta, Monters vs Aliens.
Otra de las cosas que me agradó de la cinta fue su soundtrack, la verdad exagerando un poco en los momentos de tensión pero hecha como una seria y respetable producción hollywwodense. Además, incluyeron una secuencia con Massive Attack que ya sólo por eso hace a los directores de esta película unas personas muy cool.
Hablando de la historia, y concretamente del guión, se nota que tuvieron paciencia y cuidado al realizarlo. A pesar de utilizar facilismos (como el bullet-time) para enfatizar algunas escenas, el argumento está bien estructurado y sobre todo, los gags cómicos no son muy infatiles o fueron pensados para cualquier edad. Honestamente, me agradó mucho que tocaran temas tan cotidianos como la analfabetización de los adultos con la tecnología y hacerlos divertidos. Otro detalle fue como el de la chica portagonista que era inteligente pero evitaba mostrar esa faceta para ser aceptada, un poco cliché pero que siento yo exhibe, aunque sea ligeramente y sólo por la superficie el mundo machista en que nos desenvolvemos y el poco lugar que tienen las mujeres para agradar o caber en la sociedad actual como conocedoras o amantes de la ciencia.
Más arriba comparo esta cinta con Monster vs Aliens porque creo que ambos buscaban agradar a la audiencia sin otras ambiciones artísticas. Pero mientras que la película de Dreamworks falla en su guión por no contar con gags divertidos o demasiados clichés, creo que Cloudy with chance of Meetballs acierta en hacer que las ocurrencias no sean tan obvias o más simpáticas.
El discurso del filme es claramente el de la relación padre e hijo y el de aceptarnos nosotros mismos (como Buscando a Nemo, pero obviamente no llegando a su maestría).
Recomendable para verla con los hijos pero también para disfrutarla en pareja. Y vaticino que estará en la terna de lo mejor en animación en los Oscar junto con la favorita UP (que ya está empezando a aburrir que siempre sea Pixar) pero acompañado la que para mi es la mejor cinta animada del año: por supuesto, estoy hablando de Coraline.
Si a alguién le interesa leer el breve cuento, lo pueden descargar aquí (en ingles).
P.S. No se si alguien ya la vió en 3D , comenten si acaso vale la pena verla en ese formato o nos quedamos en el tradicional.
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Crítica: ‘DISTRICT 9’ / ‘DISTRITO 9’ / ‘SECTOR 9’
Sep 14th
Pues en Cinefilux no nos podíamos quedar atrás, así que este fin de semana decidimos echarnos un viajecito e ir a ver el film de ‘District 9’, película de Ciencia Ficción producida por Peter Jackson (‘Lord of the Rings’) y dirigida por Neill Blomkamp, y que se estrenará en México hasta el 16 de Octubre junto a ‘Inglorious Basterds’.
La verdad yo no esperaba mucho de esta película, y de hecho en México esperaba ir a ver ‘Inglourios Basterds’ y no esta el día de su estreno, pero creo que he cambiado de opinión y me decido recomendarles ver esta película en megapantalla o VIP, si es que les es posible verla. ¿Qué porque fui a verla y no me espere a el estreno en México? Debido a que había leído que los efectos especiales de esta película estaban pensados para la realización del film de Halo, cancelado por Microsoft, y pues a mi me encanta Halo.
Al grano, de inicio no había visto el tráiler de esta película, solo sabia que se trataba de una película de extraterrestres viviendo en la tierra y que era un tipo documental, motivo por lo que no esperaba tanto de la película, pero gran sorpresa me lleve al final de esta, y la verdad que el tener esas escenas al estilo Documental fueron un acierto total del director, sabiendo contar una historia hiperrealista que lleva a los alienígenas a un típico conflicto terrícola como es la xenofobia. De inicio la película es algo lenta, la verdad creo que fue lo mejor, ya que últimamente vemos películas donde se enfocan mas en los efectos especiales o secuencias de acción, que ya no disfrutamos de buenas películas con historias originales e interesantes, pero bueno como les comentaba de inicio se me hizo lenta, tanto que casi llegue al punto de pensar en dejar de ver la cinta e irme a ver alguna otra cosa, pero ok, mi hermano me dijo que valía la pena y opte por darle una oportunidad mas a esta historia, que como decía mi hermano, SI VALE LA PENA. Y que historia, después de verla me lance un clavado en youtube para ver los trailes, y wow, la película no es de esas que te dicen todo en los trailers, y la verdad que en los trailers son bastante buenos, y mas el segundo tráiler. Los efectos especiales, WOW, son de lo mejor, los alienígenas realmente no se ven metidos o falsos, como los efectos malos de ‘Drag me to Hell’, sino se ven claros, limpios y creíblemente reales, los vestuarios, trajes, y diseños de extraterrestres y su tecnología me recordaron algo en Halo, y fueron de mi total agrado, la actuación principal por momentos si podría creerse que es un documental real. En resumen, la película después de pasar la mitad de su duración es toda una bomba, podría decir que esta Junto a ‘Star Trek’ son las mejores películas de Ciencia Ficción que han salido en muchos años. Así que SE LAS RECOMIENDO, estarán en momentos esperando a saber mas y mas de la historia, y en otros momentos pensarán en que pasaría si esto fuera real, podemos ver otro tipo de racismo y como son los intereses humanos en muchas ocasiones.
Por si no saben la historia, les dejo un resumen.
Sobre la ciudad de Johannesburgo, Sudáfrica, se estacionó una nave nodriza extraterrestre en el año de 1981, después de intentos por entrar a ella, los humanos lo logran y encuentran una población entera de alienígenas casi muriendo, motivo por lo que los gobiernos optan por darles asilo en nuestro planeta. Después de varios años las personas los empiezan a ver como intrusos, debido a su comportamiento estilo de vagabundos, por lo que crean lo que llaman el distrito/Sector 9 debajo de la nave. Ahí los alienígenas viven en las peores condiciones de vida posible y siguen molestando a los humanos, motivo por lo que la Unión de Multi Naciones o MNU, decide cambiarlos a otro sector bajo su consentimiento haciéndolos firmar papeles mientras realmente buscan armas. Para esto se selecciona a nuestro atípico protagonista Wikus Van De Merwe (Sharito Copley) como líder del equipo pacifista a recaudar los permisos de estos para su movimiento habitacional. Al mismo momento una familia de alienígenas muy inteligentes, a diferencia de los otros que parecen ser mas animales que seres inteligentes, están buscando una sustancia contenida en los objetos caídos de la nave nodriza, esto con el fin de poder obtener la energía suficiente para regresar a esta y sucesivamente a su planeta. El problema es cuando, estos dos se topan y Wikus encuentra la sustancia escondía y se le escurre sobre su cara. Lo que sucede después de esto, no se los puedo contar, pero si les puedo decir que la película termina con muchas preguntas aún en el aire, cuestiones que no desestabilizan el argumento pero que requieren de una respuesta clara y permitiendo la creación de una secuela de esta película.
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